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Erich Larsson: “Es la primera canción, después del disco, con la que sentí una conexión especial”

El músico misionero, ex cantante y bajista de la banda La Otra Cara de la Nada, presenta “Hasta ver el Sol”, el single adelanto de su próximo EP solista.

Erich Larsson. Foto: Florencia Machado

“‘Hasta ver el Sol’ lo concibo como un vehículo que transita escenarios oníricos –afirma Germán Vázquez, aka Erich Larsson-. Cuando lo empecé a escribir sentía que las palabras iban conformando un viaje que tenía que ver más una fantasía que con la realidad. De hecho, tuve la letra primero antes que la instrumentación. Entonces entendí que tenía que acompañar esa experiencia con una música que no te deje despertar. Se dieron justamente lindas coincidencias porque estaba escuchando Primal Scream, Happy Mondays, Gustavo y Soda en su época “Colores Santos” – “Dynamo” y encontré ahí el bucle como un cimiento para poder adornar el viaje. Básicamente, quise alejarme de los elementos y estructuras que suelen definir la canción, que venía estando muy presente en “Adorno”, el disco anterior. Como un paso hacia algo distinto en mi carrera e incluso un desafío también, poder componer y desarrollar una idea desde otro formato”.

¿Qué sentís que tiene de especial esta canción para funcionar como adelanto del próximo EP?

Quizás hay algo romántico ahí. Fue la primera canción después del disco con la que sentí una conexión especial, cierto orgullo y seguridad de que ese era mi próximo paso. Casi como entrar en un trance de trabajo y convencimiento en el proceso creativo, levantar la cabeza y decir “me gusta esto, sigamos”. Claramente, no es el único motivo. También hay algo en la armonía, la letra, el titular “Hasta ver el Sol” que siento sirve como buena carta de presentación a lo nuevo.

¿Qué nos podés contar del próximo álbum?

El EP se va a llamar “Reproducción Extendida”. Lo pienso como un espiral. El bucle muy presente. Como decía antes acerca de desarrollar la idea de adornar un cimiento en una figura vertical. Siempre hacia arriba. Tiene mucha influencia del rock británico de los 90, esa unión del rock con la pista por momentos, pero también la pausa introspectiva de cierto existencialismo y planteo sobre el deseo y el placer.

Después de varios años en La Otra Cara de la Nada, ¿cómo te sentís con esta etapa solista?

Me encuentro desafiándome bastante. Me planteé bastantes cosas para este EP y particularmente para “Hasta ver el Sol”, donde diseñé la tapa y monté y dirigí el videoclip junto con Fernando Verón. Realmente fue como probarme en ciertas materias dentro del arte que tenía pendiente y siento que esas pruebas me han enriquecido mucho personalmente y finalmente al EP también. Siento que es una obra integral. Además de escucharse puede verse y sentirse. En resumen, estoy cómodo trabajando solo en este momento, pero también extraño lo grupal, más la idea de La Otra Cara de la Nada, donde había una química especial. Conviven esas dos sensaciones.

¿Qué balance hacés de tu año y qué planes se vienen para el verano?

Un buen año. Me he encontrado con buenos espejos que me han hecho valorar mucho mi trabajo, más allá incluso del mismo arte. El verano tendrá alguna que otra presentación en Misiones imagino, quizás alguna despedida. Tendrán que seguirme para averiguarlo.

 

BABASONICOS PRESENTA NUEVO TEMA Y VIDEO CLIP

TAJADA  ES EL NOMBRE DE LA CANCION QUE INICIA UNA NUEVA ETAPA EN LA BANDA

Babasonicos presenta su nuevo single “Tajada”, una canción que inicia una nueva etapa, luego del celebrado y exitoso álbum  Trinchera.
Su sonido es tan innovador que no se puede describir con palabras, hay que escucharla.
Está acompañada del videoclip ideado y realizado por Juan Cabral, con una temática que describe el excedente de lo que fue, la reconstrucción de una relación y sus partes, la falta de aire, los límites del cuerpo, el origen de la locura, el sobre análisis de lo ocurrido llevado a lo psicótico

El arte de tapa es una obra del reconocido artista plástico Matías Duville.

El estreno de esta nueva canción se da a los pocos días del show en el campo de polo. 
El concierto mas ambicioso en la carrera de Babasónicos ,que contara con una nueva y deslumbrante puesta en escena a cargo de Sergio Lacroix.

FICHA TECNICA SINGLE “TAJADA”
INGENIERO DE GRABACION : Gustavo iglesias 
ESTUDIO DE GRABACIÓN : JUNO
INGENIERO DE MEZCLA : Gustavo Iglesias 
Mezcla adicional: Evlay
ESTUDIO DE MEZCLA: RomaPhonic
INGENIERO DE MASTERING : Javier Fracchia

Producción artística: Adrian Rodriguez /Diego Tuñon 
Diseño Portada : Matías Duville

FICHA TECNICA VIDEO CLIP “TAJADA”
Dirección: Juan Cabral
Producción: Labhouse/MJZ
Fotografía: Javier Julia
Digital y Fílmico: 16mm

MUSICOS BABASONICOS
Adrián «Dárgelos» Rodríguez Voz
Diego Castellano Batería
Diego Tuñon Teclados
Mariano Dominguez Guitarra
Diego Rodríguez Guitara y coros
Carlos Hernán Carcacha ( Carca) : Guitarra
Gustavo (Tuta) Torres: Bajo

 

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“Clics modernos” festejó los 40

En una emotiva ceremonia en la Legislatura porteña se rindió un cálido homenaje a Charly García al cumplirse cuatro décadas del lanzamiento de “Clics modernos”, uno de sus mejores discos. También se recordó a “Confesiones de invierno”, de Sui Generis, por sus 50 años.

Fotos: Karina Dos Santos

El reconocimiento se extendió al Zorrito Von Quintiero y a Fernando Samalea, quienes, tras recibir la distinción, deleitaron a los presentes interpretando emblemáticas canciones de Charly, convirtiendo la Legislatura en una vibrante fiesta. Cucuza Castiello se sumó al escenario.

Aunque García no estuvo físicamente presente, su compañero de Sui Generis, Nito Mestre, expresó sus saludos a través de un video. Entre los invitados destacados se encontraba Tati Almeyda, testigo de este tributo a la figura icónica del rock argentino.

En sus palabras de agradecimiento, Fabián Quintiero resaltó la importancia de la cultura del rock al afirmar “gracias al jefe Carlos Alberto García Moreno, alias Charly García. Gracias a la cultura del rock nos podemos poner de acuerdo”.

Fotos: Karina Dos Santos

 

Rafael Consigli: “Es una balada rock que le dará épica a mi álbum”

El cantante y compositor cordobés presenta “Desilusionada” con la participación de Manu Quieto, voz de La Mancha de Rolando, y que formará parte de su primer álbum solista, que estará listo para principios del próximo año.

Rafael Consigli

¿Qué buscaste mostrar en esta nueva canción?

“Desilusionada” tiene una lírica incisiva y sentimental, y hace alusión a la errática y enredada vida de la persona en cuestión. Es una balada de rock que buscará darle un momento de épica y profundidad a mi nuevo álbum.

¿Qué sentís que le aportó Manu Quieto a tu música?

Siento que Manu volcó todo su talento y experiencia en mi nueva canción. En todo momento mostró su compromiso y profesionalidad. Considero que su voz le sienta muy bien al tema y le da un brillo bastante especial.

¿Qué planes se vienen por delante para fin de año y el verano?

Actualmente estoy cien por ciento concentrado en la producción de mi primer disco como solista. Va a ser un álbum con una buena cantidad de canciones, que ya se encuentran en proceso de producción. La idea es lanzar el disco a principios del año próximo, por lo que estos meses los dedicaré pura y exclusivamente a la producción del mismo. Una vez lanzado, mi idea es salir a defenderlo en vivo, tanto en Córdoba como en el resto del país. Paralelamente a los shows, el año que viene, el objetivo es seguir sacando nuevas canciones. Hay una gran cantidad en lista de espera que pretendo lanzarlas en 2024. Primeramente, como sencillos, para luego ya sí darle forma a un nuevo disco.

 

Av. Báltica: “Me tomo de manera terapéutica componer”

El proyecto chaqueño de indie pop presenta su nuevo material de estudio “Viejas nuevas canciones”.

Av. Báltica

“Es un puñado de canciones románticas escritas en diferentes momentos de mi vida y cada una refleja distintos puntos del amor en sí –describe Alexis Sánchez Chyt, voz cantante de Av. Báltica-. Mi búsqueda dentro de este álbum no fue tanto algo que contar, sino fue una constante e incansable búsqueda de entender cómo funciona producir una canción, conocer cada instrumento, cómo se tocan y cómo se graban, por qué se graban y cuál es la finalidad del todo entendiendo los elementos que lo componen. Realmente fue muy placentero hacer este material porque pude entender muchas cuestiones que a producción respecta y eso también te hace entender la magia de las canciones”.

¿En qué se diferencia este nuevo EP con “Diferente” (2020)?

Son dos cosas muy distintas. Desde el vamos, “Diferente” es más crudo, es mucho contenido en letra y con una producción mucho más casera y entendiendo la música desde otro punto, tenía algo que contar y no me preocupé tanto por la sonoridad. “Viejas nuevas canciones” fue más un álbum escuela.

¿A qué le canta Av. Báltica?

Me pueden inspirar muchas cosas realmente en este momento. Por ejemplo, estoy viviendo cambios muy fuertes en mi vida y todo lo que compongo refleja eso. Pero realmente me tomo de manera terapéutica componer. Hay canciones que son demasiado cursis y otras cancelables (Risas). Dentro de esos extremos están las canciones que ven la luz.

¿Cómo está la escena musical en Chaco?

Siempre está activa. Hoy día se volvió un poco más de nicho, pero aun así entre bandas amigas se organizan buenas cosas.

¿Qué planes se vienen por delante para esta parte final del año?

Estoy empezando a grabar un disco que lo voy a sacar el año que viene. Me mudé a Buenos Aires y aquí está todo más fluido y al alcance, entonces quiero subirme a ese tren de intentar descubrir esta ciudad al mismo paso que voy descubriéndome a mí mismo en esta nueva etapa. Tengo mucho que contar y ahora convergen dos puntos importantes que viví: el contar y el saber hacer. Ahora no hay tanta búsqueda sino más sentarse, componer, producir y trabajar otros aspectos del músico de hoy que tienen más que ver con la imagen y la comunicación, eso es un punto importante en el día a día.

 

REGGAE ROCKERS RAYO DE LUZ

NUEVO ADELANTÓ DE SU PRÓXIMO DISCO

Reggae Rockers presenta su nueva canción Rayo de luz, que además formará parte de su Reggae Rockers presenta su nueva canción Rayo de luz, que además formará parte de su próximo disco, el quinto en la carrera de la banda.
Rayo de luz se transforma en un viaje de sonidos y colores en los que pueden apreciarse la fusión de estilos como el reggae y el Dub.
Además por primera vez contará con un videoclip hecho con animación e IA (inteligencia artificial) que queda de lujo con la canción.
Así una vez más Reggae Rockers sorprende con su amplio abanico musical y estilo propio.

Grabado en Estudio Guadalupe
Producción musical y artistica
Patito Dramer
Yael Rodriguez
Mezcla y Mastering
Manuel Córdoba
Videoclip realizado por
White cloud estudio
Reggae Rockers
Yael Rodriguez (voz)
Patito Dramer (batería)
Mariano Mago Chino (teclados)
Felipe De Vedia (guitarras)
Federico Vasalo (bajo)

 

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ANTONIO BIRABENT CELEBRA 30 AÑOS DE SU PRIMER DISCO

PARA CELEBRARLO ESTRENA UNA CANCIÓN HOMENAJE A PALO PANDOLFO

 Antonio Birabent esta de celebración. Su álbum debut “Todo este tiempo” se hizo en 1993, tras su exitosa participación en la película “Tango feroz”, junto al famoso productor Carlos Narea, que venía de hacer “El amor después del amor” con Fito Páez, que justamente participó en la grabación, al igual que Andrés Calamaro.

Desde 1993 hasta la fecha, Antonio ha grabado 28 discos, la gran mayoría como solista, aunque también realizo dos álbumes con su padre Moris, otro con la banda Las Lenguas Muertas (con Ariel Minimal) y muchas colaboraciones más.

Gracias a su reciente incorporación al catálogo de The Orchard, actualmente están disponibles en plataformas digitales la mayoría de sus discos.

Cabe destacar que a 30 años de la grabación de su primer disco, Antonio Birabent lanza un nuevo single con el tema “La canción que pegó en el Palo”, dedicado al querido músico Palo Pandolfo, que murió trágicamente en julio de 2021, a los 56 años.

Esta canción es el segundo anticipo de un nuevo trabajo discográfico que sacará en 2024. La letra hace referencia a un proyecto inconcluso de juntarse para componer juntos, pero no llegaron a concretarlo por las limitaciones en tiempos de pandemia y todo quedó “en un punto en el medio del aire”.

El mes pasado, en el marco de estos 30 años de la grabación de su primer disco, Antonio relanzó su discografía en plataformas digitales y publicó un single con el tema “Tu verdad”, cantado a dúo con León Gieco.

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ADRIÁN BARILARI ADELANTA NUEVO TEMA

SE VIENE LA SEGUNDA PARTE DE CANCIONES DORADAS

Adrián Barilari presenta un nuevo single. Se trata de “Aún tengo blues”, uno de los temas más famosos del mundo que creo Gary Moore y que hoy trae Barilari en español con una versión cuidada y sentida.

Este nuevo single formará parte del álbum “Canciones doradas II”, la segunda aparte del disco que lanzo en 2022 «Canciones doradas«, que también contiene famosas canciones del rock mundial que marcaron historia.

En “Aún tengo blues”, la versión en español del tema “Still got the blues” que originalmente se grabó en 1990 y que narra la historia personal del propio Gary Moore, Barilari la adapta al español y la interpreta incorporando su propia identidad al relato obteniendo como resultado una versión conmovedora.

Cabe mencionar que Adrián Barilari estará cerrando el año en Uruguay en el mes de diciembre presentándose en las ciudad de Tararira (el 14 de diciembre), Montevideo (el 15 de diciembre) y Punta del Este (el 16 de diciembre) presentando su nuevo espectáculo “Canciones Doradas 2”. Las entradas se encuentran a la venta en sistema Redtickets.

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Nico Cotton: “Los sudamericanos aportamos otra energía en la música latina”

El productor, músico e ingeniero de sonido Nico Cotton llegará a Sevilla, la ciudad anfitriona que recibirá este jueves la primera ceremonia de los Grammy Latinos fuera de Estados, Unidos siendo reconocido por su gran último año por su trabajo para Cazzu, María Becerra y Marilina Bertoldi entre más. La entrevista de Javier Berro, para la Agencia Télam.

Nico Cotton. Foto: Raúl Ferrari

Nico Cotton, el productor, músico e ingeniero de sonido argentino que por segundo año consecutivo marca fuerte presencia en los Grammy Latinos, destacó el gran presente de la música latina aunque asegura que los “sudamericanos” en particular aportan “otra energía” dentro del mapa musical y en su proyección internacional.

Ternado como “Productor del Año” junto a otro argentino embajador en el mundo como Bizarrap, Cotton llegará a Sevilla -la ciudad anfitriona que recibirá este jueves la primera ceremonia de los Grammy Latinos fuera de Estados Unidos- siendo reconocido por su gran último año: Marshmello, Manuel Turizzo, Cazzu, María Becerra, Young Miko, Leiva, Conociendo Rusia, Marilina Bertoldi y Usted Señálemelo son algunos de los artistas que validan su segundo intento por coronarse como productor en lo más alto de la industria.

Además su nombre figura en otras ternas como “Mejor Canción Tropical 2023” por “El Merengue” (Marshmello & Manuel Turizzo), “Mejor Álbum de Pop/Rock” por “Tripolar” de Usted Señálemelo y “Mejor Canción Urbana” por “Automático” de María Becerra, una alianza que terminó de asentar su camino dentro de la música urbana tras una primera incursión junto a Cazzu para “Nena Trampa”, que juntos diseñaron en un viaje al corazón de Puerto Rico y que en los últimos presentes tuvo su segunda edición en modo “Deluxe” que incluía, entre otras canciones, el remix de “Peliculeo” con las voces invitadas de De La Ghetto, Randy, Ñengo Flow y Justin Quiles.

“Es muy difícil ser productor sobre todo por el poco tiempo que uno tiene para el resto de su vida. Me gustaría tener dos vidas para seguir haciendo más cosas. Además uno carga con la presión por estar a la altura y agarrar proyectos que te muevan: el desafío es siempre hacer música que esté buena. También es cierto que a veces el tiempo es finito para el laburo y que el desafío también pasa por administrar ese tiempo bien y por estar inspirado constantemente”, reflexionó, en diálogo con Télam sobre su presente, desde su flamante estudio en el barrio porteño de su Caballito natal.

El bunker sonoro -diseñado por su amigo, el renombrado ingeniero Eduardo Bergallo– debutó como factoría musical con el reencuentro del grupo mendocino: “Me mudé en diciembre y en febrero recibí durante un mes a Usted Señálemelo para terminar el disco que habían empezado a grabar en Miami junto a Rafa Arcaute como productor”“Siempre soñé con tener mi estudio, desde chiquito. Tuve uno en el altillo de la casa de mis viejos pero era apenas un home-studio que sonaba bastante bien y donde hice bastantes discos y mezclé muchas cosas. Pero este proyecto venía armándose desde hace seis o siete años y finalmente pude concretarlo. Ahora es todo disfrute”, comentó.

Nico Cotton. Foto: Raúl Ferrari

-¿Cómo te fue cambiando la cabeza de productor el empezar a trabajar con artistas del mundo urbano como María Becerra? ¿Dónde tuviste que calibrar la forma de trabajar y cuánto incorporaste de técnicas de producción como el ‘sampling’?
– Yo venía muy entrenado por Cazzu, con quien viajamos un mes a Puerto Rico para “Nena Trampa”. Esa experiencia fue como un curso intensivo: nos la pasamos haciendo reggaetón y trap con una computadora. A mí, como productor, me gusta patear un poquito el tablero. A Cazzu le hice grabar un tema folclórico como “Piénsame” y a María una balada que tiene como un coro góspel (“Desafiando el destino”). A veces sin que se den cuenta: empiezo a tirar algunos acordes y de repente me dicen “che, esto me gusta” y después termina en una canción. Trato de ponerle mi agregado para que sea un álbum lo más amplio posible, porque es lo que a mí me gusta como fan de la música.

Cazzu me abrió la puerta, así como Juan Ingaramo en su momento lo hizo con otros artistas nuevos de esta generación como el Ruso (Mateo Sujatovich), Wos y Louta. Por ella, terminé de conectar con María (Becerra) que también venía del lado más urbano, del reggaetón y el pop-trap. La primera canción que hicimos con ella fue “Maléfica” para el disco de Cazzu. Ahí nos conocimos y fue que después terminamos haciendo este álbum que es “Automático”, que ahora está nominado a los Grammy Latinos como “Mejor canción urbana” y “Mejor interpretación de Reggaetón”.

-Trabajaste junto a Marshmello en “El Merengue” junto a Manuel Turizzo, canción que también te tiene nominado a los Grammy Latinos. ¿Por qué un dj de la electrónica como él terminó de fijar toda su atención en la escena latina?
-Lo latino está muy prendido en el mundo gracias a los éxitos que vienen pasando. Uno mira el Top 50 global de Spotify y siempre hay muchos latinos como Biza, Peso Pluma y Bad Bunny. Está bueno lo que está pasando con los latinos, pero yo me siento más un sudamericano que trae otra energía. Yo mismo vengo con otro bagaje musical desde Argentina, entonces aportar desde ahí también está bueno. Poder hacer un merengue siendo sudamericano es divertido.

-Estás nuevamente ternado como “Productor del Año” junto a otro argentino de gran presente internacional.
-Bueno, la nominación es algo impresionante. Todavía no caigo, encima es la segunda vez consecutiva. Para mí es muy loco estar nominado. Imaginate, un pibe de Caballito, de Sudamerica, ahí. Ya acumulé como doce o trece nominaciones en toda mi vida y es un montón. Si bien todavía no gané ninguna, ya es un montón estar ahí y no sólo compartir con Biza, que es un capo, sino también con Edgar Barrera, Eduardo Cabra, Julio Reyes; productores que yo admiro y que son muy capos todos.

A Biza lo re contra banco porque es un pibe que de la nada pasó a estar en boca de los artistas más importantes de Latinoamérica y sobre todo porque él también es un re contra artista. Y todo lo hace con su marketing, con su música; me parece que cambió un poco las reglas de cómo hacer música y cómo contar una idea musical. Es un capo; me saco el sombrero.

-Se viene un nuevo disco de Conociendo Rusia gestado en Sonic Ranch de Texas?
-Sí, es el tercer disco que hacemos con el Ruso. Ya nos conocemos bastante y tenemos una muy buena química tanto dentro del estudio como en la vida. Se decidió ir a Texas para grabar un disco en un estudio al que llegamos recomendados por un gran amigo como Eduardo Bergallo, que siempre va a grabar ahí con proyectos como El Mató a Un Policía Motorizado o Sig Ragga. En mi caso, era mi primera vez. Eduardo me insistió porque sabía que nos iba a flashear. Fueron 21 días de hacer el disco: había canciones, pero mágicamente allá aparecieron nuevas y mutaron otras. Creo que la gente va a agradecer este disco de Conociendo Rusia.

-¿Alguna historia con su extravagante dueño Tony Rancich?
-Tony es una persona muy especial: vive ahí y está en contacto todo el tiempo con los músicos que desfilan por los estudios. Se sienta a comer con vos para unas charlas muy divertidas. Es un personaje espectacular, intenso y excéntrico, pero a la vez no. Vive de una manera muy tranquila pero al mismo tiempo está orgulloso de poner a 200 kilómetros por hora su BMW.

Nico Cotton. Foto: Raúl Ferrari

El folclore y el reggaetón

Tanto la búsqueda del “clásico moderno” con Conociendo Rusia como sus recientes aproximaciones al folclore junto a Soledad o al reggaetón y el trap de la mano de María Becerra y Cazzu, proyectan a Nico Cotton como un productor todo terreno que garantiza, además de buenas canciones, un estándar de calidad que lo ubica como uno de los más requeridos de la actualidad.

Sobre el trabajo junto a Pastorutti, para quien produjo su última placa titulada “Natural”, debió primero convencer a la artista de recuperar sus raíces musicales: “Fue una experiencia espectacular porque yo nunca había hecho folclore, aunque sí me encantaba. Yo sentía que era el momento para ella para hacer un disco así, hacerlo bien, que suene lindo, tenga lindas canciones y que ella pudiera cantar siendo libre y sin reprimirse”, comentó en una distendida charla con Télam.

“Ella quedó muy contenta y para mí vale oro que el artista se emocione escuchándolo. La idea fue hacer un disco atemporal, que puedas escucharlo dentro de 20 años y siga estando tan bueno como ahora. Un disco con el que puedas conectar. Yo no buscaba el corte de difusión o que tuviera determinada cantidad de reproducciones. Nunca lo busco, pero a veces cuando uno está haciendo un disco puede decir ‘che, estaría bueno meter un temita más para la radio’. En este caso solamente pensamos en la música y en que ella pudiera sentirse libre. Hicimos un álbum muy lindo y lo disfruté mucho”, señaló el productor treintañero sobre este cruce artístico.

Siempre abierto a cruzar distintas veredas musicales y tras un largo camino dentro del rock y el pop argentino, Cotton empezó a firmar producciones para Cazzu con su “Nena Trampa” que terminó de conectarlo con María Becerra, que lo convocó como uno de los productores de “La Nena de Argentina” que contiene el hit “Automático”.

“Ella, además de ser muy talentosa, es un personaje y un cago de risa. Es muy intuitiva a la hora de crear: me mandó un audio cantando la melodía del estribillo de ‘Automático’ y, a partir de ahí, me puse con un beat que tenía referencias a ‘Gasolina’ de Daddy Yankee, con ruiditos de motores y cosas así”.

“Ella se re copó y después nos juntamos a terminarlo y aparecieron partes nuevas de la canción pero sí, hicimos bastantes canciones con Mari. Creo que en el disco quedaron ocho y fue muy divertido trabajar con ella. Además de ser una artista popular, es muy buena y muy talentosa y haber compartido estudio con ella fue una experiencia buenísima”, concluyó.

 

Claudia Puyó, la voz que hizo (y hace) historia en el blues y en el rock

A los 12 años, Claudia Puyó ya había formado un dúo, Ana Gris, con su amigo Aníbal Forcada. Y a los 18, en 1978, debutó en un lugar de culto como era Jazz & Pop, en San Telmo, iniciando una carrera brillante que se extiende, exitosa, hasta hoy. El domingo 12 fue el Día del Blues Argentino. Y nada más justo que recordarlo recorriendo los días de Claudia.

Claudia Puyó. Arte: Jazmín Guzmán

Cada 12 de noviembre se conmemora el Día del Blues Argentino. En esa fecha, en 1968, el grupo Manal subió a un escenario a cantar blues en español para ser considerados los primeros bluseros de la historia de nuestro rock.

Mucho antes, esta sonoridad había encontrado eco en voces de mujeres, como el caso de Paloma Efron, conocida artísticamente como Blackie, quien grabó junto a sus Boys el clásico “St.James Infirmary”, a mediados de los años 30; o el de Lois Blue, a quien puede verse cantando “Porque eres mi hombre”, un blues de autoría propia, en el film “Días de odio”, de Leopoldo Torre Nilsson, cuando corrían los años 50; y también por aquellos años una muy joven Eladia Blázquez componía por primera vez en su vida una canción, un blues llamado “Humo y alcohol” que grabó con Los Cuatro del Sur, bajo el sello RCA.

Será en la década del 70, que la voz de una cantante extraordinaria comience a hacer historia en el blues argentino.

Yo, Claudia

Es una noche de 1978, y quienes tienen la suerte de estar en Jazz & Pop, el boliche de la calle Chacabuco al 508 en donde se alternaban zapadas con bandas o solistas nuevos, recibirán un impacto inolvidable con la voz e impronta de una adolescente llamada Claudia Puyó.

Había empezado a cantar desde niña arriba de los discos de Aretha Franklin, en su casa de Ramos Mejía, donde la música era una integrante más de la familia. Un padre que amaba la música clásica, una hermana mayor que traía a la casa discos de rock, una vecina que le acercó una guitarra, y Claudia, al ser zurda, desarrolló su método para tocarla dándola vuelta.

Y su voz, claro. Y todo aquello que tenía para expresar.

A los 12 años ya había formado un dúo con su amigo Aníbal Forcada, que se llamó Ana Gris. El primer show del grupo fue en el salón de actos del colegio de San Cayetano de Liniers. Solían ser soportes de Pastoral, quienes ensayaban en la casa de Forcada. El y Claudia oficiaban de “plomos” de la banda; no había en ese momento “plomos” mujeres, Claudia fue la primera. Y Aníbal, el primero en escribir sobre este oficio: es quien compuso “El blues de los plomos”, canción del repertorio de Ana Gris, que más tarde popularizó Leon Gieco.

Claudia participaba también en Trigémino, la banda de rock sinfónico de Marco Pusineri, Jorge Minissale y Juan “Pollo” Raffo y zapaba en Bangladesh, un bar de Ramos Mejía, donde solía tocar con Mollo, Arnedo, Alambre Gonzalez, y muchos otros músicos de la zona oeste.

Quienes no frecuentaban los pubs de esa zona, y no estuvieron en Jazz & Pop esa noche de 1978, ya pronto empezarán a ver y a escuchar a Claudia, pues durante los siguientes cincuenta años que nos traen hasta la actualidad, será una voz fundamental del blues y el rock argentino.

En ella, con ella, celebramos los días del blues argentino.

La inspiración de Claudia

“Las voces de mujeres del blues que me fascinaron fueron muchas realmente -cuenta Claudia en conversación con Telam-. El primer disco que llegó a mis manos fue ‘Soul ‘69’ de Aretha Franklin que, de un lado, era todo blues y del otro lado, era más “soulero”, y tenía una canción muy conocida: se llamaba ‘Rézame una pequeña plegaria’. Una de mis canciones predilectas que llegó a mí tiempo después fue ‘Little girl blue’ de Janis Joplin. También Etta James, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, todas esas cantantes negras fueron sorprendentes. Aretha es como mi maestra, una cantante que escuché toda mi vida y canté arriba de sus discos; y del de otras, también: hay muchas cantantes que me gustan, blancas y negras, pero mis comienzos fueron de cantantes mujeres negras. También estuvo Carole King que, siendo blanca, fue versionada por muchas artistas, entre ellas, Aretha, que hizo su versión de ‘You make me feel like a natural woman’, una canción maravillosa que a veces canto”.

Los días de Claudia

“Del Oeste” fue su primer disco solista; salió en el 85, “pero yo lo empecé a grabar el día de mi cumpleaños del 84, el 7 de junio. La primera canción que grabé en un estudio en mi vida fue el día de mi cumpleaños”, recuerda la cantante.

Con producción musical de Daniel Freiberg, el álbum contaba con cuatro temas propios de Claudia: “Aquellos tiempos modernos”, “Creo que tengo que decirte algo” “Para ver el sol” y “Vas a llegar a mí”, que compuso con Freiberg. Luis Alberto Spinetta le regaló una canción para que incluya en su debut discográfico: “Viento del lugar”, y el resto de los temas eran de autoría de otros músicos reconocidos: de Miguel Zavaleta, de Miguel Mateos, de Gringui Herrera, y de Daniel “Tano” Vincenti.

Unos años más tarde se iría a vivir a España. Su producción en el Viejo Continente incluyó la emblemática grabación para” El amor después del amor”, tema apertura del disco homónimo de Fito Paéz. Luego de esta grabación, Claudia seguiría en España con su vida: se incorpora a la banda de Kevin Ayers, leyenda de la progresiva británica. En el mismo grupo tocaba el virtuoso guitarrista Peter John “Ollie” Halsall , viejo colaborador de Ayers. 

“Hice una gira por toda Europa con Kevin Ayers, con veintitrés conciertos en treinta días. Yo tocaba teclados y en Londres me subí a tocar con la remera de ‘Acariciando lo áspero’, de Divididos”.

Además de teclados, Claudia tocó guitarra e hizo coros. Las presentaciones del grupo anglo-argentino se dieron en ocasión del lanzamiento de “Still Life with Guitar”, disco de estudio lanzado por Kevin ese año.

Lamentablemente, fue el último en que grabó junto a Ollie Halsall; un final trágico terminó con el rico tridente creativo formado entre Ayers, Puyó y Halsall: el 29 de mayo de 1992, Claudia halló muerto en su casa a Ollie, quien era su novio, además de su compañero de agrupación. Halsall dejaba así una infinita tristeza en el corazón de Claudia, y huérfano a un disco solista producido por Robert Fripp.

Otro de los grupos que formó allí fue “Los Románticos de Artane” (“Artane es el nombre de una droga que se toma para el mal de Parkinson y que en mi barrio de la infancia los pibes la tomaban mucho. De romántico, nada”, explica Claudia). Con esta banda grabó un casette independiente a fines de los 80, titulado “Aparato para sordos”, que recién el año pasado fue editado en CD.

Con esta agrupación Puyó lanzó en 1994 su segundo disco solista, “Cuando te vi partir”. El álbum obtuvo el galardón a Mejor Disco de Rock Nacional Solista Femenina en los premios ACE (Asociación Cronista de Espectáculos). También fue reconocido con el diploma de los Premios Konex 1995 de Música Popular.  Y el videoclip de “Hundiéndome en la oscuridad”, filmado en España, fue uno de los 100 videos más vistos de MTV.

La década termina para Claudia con un regreso de Ana Gris, aquel poderoso trío que vimos conformarse en la década del setenta, que brindó una serie de shows inolvidables en el año 1999; y con el comienzo de la realización de los demos de su tercer disco solista: “La Razón y la Tempestad”. De este modo se abría la ventana para su trayectoria en los años 2000.

Claudia, la Cazadora de cielos

El nuevo milenio traería efectivamente nuevos discos propios: “La Razón y la Tempestad” (2001), “El ángel” (2008) y “Primavera por un día” (2017), álbumes en los que Claudia brilló de igual manera en el blues como en otros géneros. No obstante, su voz estará siempre asociada a lo mejor del blues local. “La gran voz femenina del blues argentino”, así la presentaba el guitarrista y compositor Claudio Gabis durante un concierto en el Salón Blanco de la Casa Rosada en marzo de 2007. Claudia interpretó allí “Blues del terror azul”.

Pero el nuevo milenio trajo también una pandemia que nos tuvo a todos con la mirada puesta en los cielos desde las ventanas, los balcones y las terrazas de nuestro aislamiento preventivo. En esos días, Claudia hacía lo mejor que sabe hacer: música.

“’Cazadora de cielos’ es mi disco 6 y 7 porque es un disco doble. El primero contiene canciones mías y con otra gente, y el segundo son todas versiones: canciones de Charly García, de ‘La máquina de hacer pájaros’, de Luis Alberto Spinetta, de Ulises Butrón, alguna versión de otro país, varias cosas”, adelanta Claudia Puyó sobre su nuevo trabajo discográfico.

Este disco, que fue terminado durante la pandemia, no tendrá formato físico y se espera que sea lanzado en plataformas antes de fin de año. “También tiene gráfica de cielos”, detalla Claudia, que se reconoce fanática de la fotografía y de los cielos y que espera poder compartirlos junto al resto del material, incluidas las letras de las canciones. Canciones que suman 28 en total y que Claudia, un poco a contrapelo de la modalidad actual, quiere presentarlas juntas al mismo tiempo, respetando la unidad conceptual de la propuesta. “Los discos me gustan como obras”, confiesa.

Joyas nacionales del género, según Claudia

“Canciones del blues argentino hay muchas. Una de mis predilectas es ‘Avellaneda Blues’ de Manal, como ícono, porque es una canción que conocemos muchas personas, todas las que hemos escuchado el género. Es un blues terriblemente maravilloso por su descripción urbana; también está ‘Todo el día me pregunto’ y muchos otros. Es una banda que me conmocionó, cambió algo en mí. Pero también tenemos los de Pajarito Zaguri como ‘La claridad’, que yo canté. ¡Hay mucho blues en Argentina! Como uno de Pescado (Rabioso) que me encanta que se llama ‘Como el viento voy a ver’. Ése es el blues que me gusta a mí, más elaborado tal vez”.

 

Las mejores canciones de rock con “Casino” en su título

El rock ha explorado diversos temas a lo largo de su historia, y el mundo del casino no ha sido la excepción. Estas canciones no solo reflejan la energía y la emoción asociadas con los casinos, sino que también muestran la evolución del género. A continuación, analizaremos algunas de las mejores canciones de rock relacionadas con el casino, cada una con su propia historia y estilo único.

Casino Boogie – The Rolling Stones

Casino Boogie es una pista del álbum “Exile on Main St.” de 1972 de The Rolling Stones, que destaca por su mezcla de ritmos y su lírica enigmática. La canción evoca una atmósfera caótica y vibrante de un casino, con un enfoque en la energía desenfrenada más que en la narrativa concreta. Algunas de sus características:

Musicalidad y estilo: La estructura musical de esta canción es un claro ejemplo del estilo de rock clásico de los años 70. Con una base de guitarra rítmica y solos improvisados, representa el espíritu libre y experimental de la época.

Influencia cultural: Más allá de su sonido, Casino Boogie refleja la fascinación de la cultura pop por los casinos como símbolos de aventura y exceso. Esta canción se convierte en un himno para aquellos que buscan emociones fuertes y nuevas experiencias, como cuando un jugador explora los juegos de tragamonedas nuevos. En la era digital, esta fascinación se ha extendido a los casinos en línea, donde la emoción del juego se puede experimentar desde cualquier lugar. El acceso a una amplia gama de juegos online ha abierto nuevas vías para la diversión y la aventura. 

Innovación en la grabación: Otro aspecto a destacar es su técnica de grabación innovadora. La banda experimentó con diferentes métodos de producción, incluyendo la improvisación en el estudio y el uso de tecnología de grabación avanzada para esa época. Este enfoque no convencional demostró la disposición de The Rolling Stones a romper las barreras tradicionales en la música rock.

Casino Queen – Wilco

En contraste, Casino Queen de Wilco ofrece un enfoque completamente diferente. Extraída de su álbum debut “A.M.” de 1995, la canción combina el rock con influencias country y alternativas, creando una narrativa más centrada y personal. Estos son algunos aspectos a destacar sobre este tema:

Letras y temática: A diferencia de la canción anterior, Wilco utiliza una narrativa más directa. El tema cuenta la historia de una figura carismática en el mundo del casino, mezclando romanticismo con una crítica sutil a la cultura del juego.

Estilo y evolución: Musicalmente, Casino Queen se distingue por su fusión de géneros. La inclusión de elementos del country y el rock alternativo demuestra cómo el rock puede evolucionar y adaptarse, manteniendo su relevancia a través de las décadas.

Casino Nation – Jackson Browne

En Casino Nation, Jackson Browne utiliza la temática del casino para ofrecer una crítica social aguda. Este tema del álbum “The Naked Ride Home” de 2002 se aleja de la representación glamourosa de los casinos para enfocarse en las implicaciones más profundas y oscuras de la cultura del juego.

La canción combina una melodía suave con letras que reflexionan sobre temas como la avaricia, el consumismo y las desigualdades sociales. Browne usa la metáfora del casino para explorar críticamente las facetas de la sociedad moderna, mostrando cómo el rock puede ser un medio para la reflexión.

 

El Luna Park vibró a puro rock and blues de la mano de La Mississippi y Billy Gibbons

En el marco de su 35º aniversario, La Mississippi, banda emblema del rock argentino, dejó alma y corazón durante casi dos horas de show con invitados de lujo.

La Missisippi celebró sus 35 años de recorrido blusero con dos fechas completamente agotadas el 15 de noviembre en La Trastienda y el 18 en el Luna Park. El itinerario para esta última adelantaba la presencia de Los Mentidores como banda soporte y a Billy Gibbons como el sexto hombre de una noche más que prometedora.

A diferencia de muchos espectáculos nacionales, los asistentes contaron con butacas asignadas, incluyendo el sector llamado comúnmente campo. Esto permitió cierta comodidad para disfrutar del evento a un rango etario que superaba los 35.

Siendo las 19.40 del sábado, la propuesta cordobesa arribó al escenario con un popurrí de canciones que los presentes fueron descubriendo sobre la marcha. En el saxo, contó con la colaboración del rosarino Matías Belmonte (Perro Suizo). Por su parte, José Palazzo, fundador del Cosquín Rock y bajista del proyecto, emitió unas palabras de agradecimiento por la oportunidad y dio paso a la ejecución de una versión más que interesante del tema “¿Quién se ha tomado todo el vino?”.

20.35 llegó el turno de los anfitriones y, como era de esperarse, el repertorio armado para esta ocasión, contemplaba clásicos infaltables dentro de su extensa discografía: “Blues del equipaje”, “Café Madrid”, “Ahora vengo” y “Un trago para ver mejor”, entre otros.

Los primeros amigos internacionales fueron el dúo español El Mismo, que conocieron a raíz de una gira y acompañó en temas como: “Lejos de acá”. “Ni en dos mil vidas podremos olvidar lo vivido en el Luna Park. Gracias chicos, nos explota el pecho de amor y gratitud”, manifestaron los artistas invitados.

Ricardo Tapia con Billy Gibbons

La Mississippi con Gibbons

Algo que La Mississippi anheló por mucho tiempo era tocar con Billy Gibbons y Martín Guigui (músico, productor y cineasta argentino radicado en Estados Unidos) logró el momento histórico. Pero eso no fue todo, porque sus hijos: Esther, Rebecca y Noah también acompañaron y desplegaron sus virtudes como vocalista, baterista y guitarrista. “Para nosotros esto es realmente un momento de oro, otra vez gracias”, destacó Guigui.

El plato fuerte de la velada llegó efectivamente de la mano de Billy, lookeado de manera impecable y dando un primer saludo afectuoso: “Buenas noches”. No necesitó más palabras para encender al público y acoplarse a la fiesta con “Thunderbird” y otros grandes éxitos de ZZ Top: “Sharp Dressed Man” (dedicado a Pappo), “Tush” y “La Grange”, que supieron ser coreados y agitados por cada uno de los espectadores.

Tampoco faltaron las ovaciones para la parte de la jornada en la que versionaron junto a La Mississippi: “Rock Me Baby” (BB King), “Sweet Home Chicago” (Robert Johnson), “Foxey Lady” (Jimi Hendrix) y “Travelin’ Band” (Creedence Clearwater Revival). Todo esto dio como resultado un banquete de primer nivel, digno de una agrupación que, cumpliendo 35 años de vida, sigue pisando fuerte en la escena musical.

 

Lentes: “Es un poco nuestro espíritu”

Con cinco años de trayectoria, el proyecto porteño Lentes despliega un segundo álbum cargado de grandes éxitos personales.

Lentes. Foto de prensa

Luego de descifrar el código que los representaría en esta segunda entrega, el siguiente desafío superado por Lentes fue determinar desde la producción una nueva búsqueda sonora que coincidiera con su mirada de recuperar la música de los 2000, sin perder su esencia.

Grandes Éxitos es grabado en Estudios El Refugio, Santa Marta, Romaphonic y Sale La Luna a lo largo del 2022 y principios de este año. El pasado 12 de octubre es presentado oficialmente en La Tangente con amplia convocatoria y flamantes repercusiones.

¿Cuál fue el criterio al momento de seleccionar las canciones que incluye este disco?

La selección estuvo orientada a tener armonía entre las canciones, para generar climas y representar de la mejor manera la visión que queríamos con esta obra.

¿Por qué “Grandes Éxitos”?

Para nosotros lo son. Nació de proyectar lo que queremos, de salir con todo y creer que es el camino para que avance el proyecto. A su vez, nos pareció cómico que una banda con 5 años de trayectoria tenga un disco de grandes éxitos, es un poco nuestro espíritu.

¿Cuáles fueron los mayores desafíos dentro del estudio?

Encontrar un código que nos representara en esta segunda entrega de la banda. Determinar una nueva búsqueda sonora desde la producción que coincidiera con nuestra mirada de recuperar un poco la música de los 2000, pero sin perder nuestra esencia. Creemos haberlo logrado.

¿Tres palabras que lo definan?

Clásico, rock nacional y cancionero

¿Qué condimentos sonoros les gustaría destacar?

Creemos que es un disco que apeló más a la armonía de los elementos en todos los temas. Elegimos limpiar las cosas a nivel producción, para dejar más espacios. Intentamos jugar con el aire y no sobrecargar, además de destacar las cuerdas y demás arreglos que quedaron espectaculares y que hacen que la obra sea mucho más grande e imponente.

¿En qué sienten que maduraron y/o mejoraron durante esta etapa?

Sentimos que nos fortalecemos cada vez más desde lo humano, disfrutamos mucho la compañía y nos divertimos mucho. Maduramos los papeles de cada integrante, casi amalgamándonos por inercia hoy en día; sobre todo en la parte de proyecto y trabajo. A nivel banda, realmente sabemos qué va a hacer el otro en todo momento, es una sintonía muy particular que cada vez es más fuerte.

 

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